МІНІСТЕРСТВО ТРАНСПОРТУ РОСІЙСЬКОЇ ФЕДЕРАЦІЇ
ДЕРЖАВНА БЮДЖЕТНА освітні
Установа вищої ОБОАЗОВАНІЯ
«Російського університету ТРАНСПОРТУ»
РУТ (МИИТ)
РОСІЙСЬКА ВІДКРИТА АКАДЕМІЯ ТРАНСПОРТУ
Факультет «Транспортні засоби»
Кафедра «Філософія, соціологія та історія»
Практична робота
за дисципліною
«Культурологія»
Роботу виконав
студент 1-го курсу
групи ЗСА-192
Нікін А.А.
Шифр 1710-ц / СДС-0674
МОСКВА 2017-2018 р г
Практичне заняття №1
Завдання: Дайте змістовний аналіз твору архітектури вашого міста (села, району)
Пам'ятник залізничникам, 2006р. Скульптор І. Дікунов
Я родом з міста Лиски Воронезької області. Моє місто-це найбільший залізничний вузол. Починаючи з 1871 року історія міста переплітається з розвитком залізниці. У нашому місті кожен шостий житель тісно пов'язаний з професією залізничника, тому, коли постало питання про місце встановлення пам'ятника на честь 140-річчя Південно-Східної залізниці, вибір припав саме на наше місто. Відкриття пам'ятника залізничникам було в 2006 р
Це одна з небагатьох авторських робіт в місті, виконана відомим воронезьким скульптором Іваном Дикуновим в співавторстві з дружиною Ельзою Пак і синами Максимом та Олексієм. Вони автори бюстів героїв Радянського Союзу і Росії на алеї Слави, а також казкових персонажів, що прикрашають міський парк в нашому місті.
Дікунов Іван Павлович - заслужений художник РФ, заслужений діяч мистецтв, лауреат державної премії 1990р. Дійсний член Петровської академії науки і мистецтва, професор.
Народився Іван Павлович в 1941 р в селі Петрівка Павловського району Воронезької області. Дитинство його припало на важкі повоєнні роки. незважаючи на труднощі він знаходив час для творчості-йому подобалося малювати, а ще більше ліпити. Уже тоді було видно його талант. Іван Дікунов закінчив Ленінградське художнє училище ім.В.А. Сєрова в 1964 році, потім інститут живопису, скульптури та архітектури ім. І.Є. Рєпіна в 1970 році. У 1985 р. він приїхав до Воронежа і вступив на роботу в Воронезький державний архітектурно-будівельний інститут, де викладав 20 років. З 1988 по 1995 р Дікунов педагог Воронезького художнього училища.
У містах Воронезької та Липецької областей в співдружності з колегами ВГАСУ Іван Павлович створив цілий ряд значних пам'ятників, які представляють собою унікальні образи формування архітектурного середовища і є поєднанням монументальної скульптури і зодчества. Він виступив автором проектів і керівником творчих груп по створенню воронезьких пам'ятників видатним російським лічностям- М.Е.Пятніцкому (1987), О. С. Пушкіну (1999), А.П. Платонову (1999) та інших. Іван Павлович постійно бере участь в регіональних, зональних, республіканських, всесоюзних, всеукраїнських та зарубіжних виставках.
Дікунов розповідав, що робота над пам'ятником залізничникам проходила протягом трьох років і його головною думкою було показати ідею залізниці в русі. Розташований пам'ятник на в'їзді в м Лиски і є візитною карткою нашого міста.
Пам'ятник залізничникам - це монумент, що вражає нас складною композицією, глибоким змістом та символікою. За початковим задумом пам'ятник представляв собою зображення розходяться від колони в різні боки залізничників. Але згодом скульптори прийшли до композиції, в якій обидві фігури крокують по платформі в одному напрямку. Це задало тон спрямованості вперед і єдності нерозривного зв'язку поколінь залізничників.
Для створення пам'ятника використовували камінь і метал. У ньому багато символічних деталей, які при уважному розгляді складаються в ємний, цілісний образ залізниці. У центрі композиції-висока колона витонченої форми на квадратному постаменті, прикрашеному зображеннями робочих інструментів на тлі розбіжних променів. Її увінчує емблема залізниці і напис "" Ліски "". Фігури висотою 3,5 метра представляють два покоління залізничників - шляховика з ліхтарем і довгим молотком, образ з 19 століття і сучасного машиніста в форменому костюмі з портфелем в руці. Вони немов крокують по платформі близько поїзда.
Деталі одягу та інвентарю підбиралися з особливою ретельністю: витримували форму, відтворювали тонкощі по музейним картинам і експонатам. Натурою скульпторам послужили трудівники Ліскинського залізничного вузла. По краю плити проходить напис: "" Присвячується залізничникам трудівникам-воїнам-героям 140 років ЮВ ж.д.
У мене цей пам'ятник викликає почуття гордості за своє місто, за простих людей трудівників, чия нелегка, відповідальна професія увічнена в пам'ятнику. А дві фігури різних поколінь говорять про те, що залізниця в своєму розвитку рухається вперед, вдосконалюється з кожним роком.
Практичне завдання № 2
Завдання: Дайте змістовний аналіз твори живопису художника з Вашого міста (села, району)
Моїм земляком був відомий російський художник Крамськой Іван Миколайович (27 травня 1837г.- 24 березня 1887р.). Він народився в місті Острогожськ Воронезької губернії (це в 30 км від мого рідного міста Ліски) в родині дрібного чиновника.
Навчався в Санкт-Петербурзької Академії мистецтв (1863-1868 р) У 1863р. йому присудили малу золоту медаль за картину "Мойсей виливає воду зі скелі". Крамськой був ініціатором "бунту чотирнадцяти", який завершився виходом з Академії мистецтв її випускників, які організували Артіль художніков.Являлся також одним з творців в 1870 р "Товариства пересувних художніх виставок". Під впливом ідей російських демократів- революціонерів Крамськой відстоював співзвучне їм думка про високої суспільної ролі художника, основоположних принципах реалізму, моральної сутності мистецтва і його національної приналежності. У 1869 році він викладав в Художній школі ощества заохочення художників. У 1869 р Крамськой отримав звання академіка.
70-80 роки 19 століття стали для Івана Миколайовича тим періодом, коли були написані одні з найвідоміших його робіт-це "Полесовщик", "Мина Моїсеєва", "Селянин з вуздечкою" та інші. Все частіше об'єднував художник в своїх роботах портретну і побутову тематику ( "Незнайомка", "Нерозважне горі").
Багато полотна Крамського визнані класикою російського живопису, він був майстром портрета, історичних і жанрових сцен.
Мені хочеться зупинитися на аналізі його картини "Христос в пустелі", яка займає особливе місце у творчій біографії І.Крамського.
Христос в пустелі.
Полотно, олія.
180 х 210 см.
Головна думка Крамського тих років, сильно займала його, - це трагедія життя тих високих натур, які добровільно відмовилися від будь-якого особистого щастя, найкращим, найчистішим чином, який художник міг знайти для вираження своєї ідеї, був Ісус Христос.
Своє полотно Крамськой обмірковував ціле десятиліття. На початку 1860-х років, ще будучи в Академії мистецтв, він робить перший начерк, в 1867г.- перший варіант картини, який його не задовольнив. Промахом першого варіанту картини був вертикальний формат полотна, і художник вирішив написати картину на полотні горизонтальному і сидить на каменях людини більшого розміру. Горизонтальний формат давав можливість представити панораму безкрайньої кам'янистій пустелі, по якій в німому мовчанні день і ніч ішов самотня людина. Тільки під ранок втомлений і змучений опустився він на камінь, все ще нічого не бачачи перед собою. Сліди болісних і глибоких переживань видно на його стомленому, спохмурнілий особі, тяжкість дум немов лягла на його плечі і схилила голову.
Сюжет картини пов'язаний з описаним в Новому Завіті сорокаденний піст Ісуса Христа в пустелі, куди він пішов після свого хрещення, і зі спокусою Христа дияволом, яке відбулося під час цього посту. За визнанням художника, він закарбувати драматичну ситуацію морального вибору, неминучу в житті кожної людини.
На картині зображений Христос, що сидить на сірому камені, розташованому на височини в такий же сірій кам'янистій пустелі. Крамськой використовує холодні кольори, щоб зобразити ранній ранок - зоря тільки зачиняються. Лінія горизонту проходить досить низько, розділяючи картину приблизно навпіл. У нижній частині знаходиться холодна кам'яниста пустеля, а у верхній частині - досвітнє небо, символ світла, надії і майбутнього перетворення. В результаті фігура Христа, одягненого в червоний хітон і темно-синию накидку панує над простором картини, проте перебуває в гармонії з навколишнім суворим ландшафтом. У самотньої постаті, зображеної серед холодних каменів, відчувається не тільки сумна задума і втому, а й «готовність зробити перший крок на кам'янистому шляху, що веде до Голгофи».
Руки Христа (фрагмент картини)
Стриманість в зображенні одягу дозволяє художнику надати основне значення особі і рукам Христа, які створюють психологічну переконливість і людяність образу. Міцно стиснуті кисті рук знаходяться практично в самому центрі полотна. Разом з особою Христа вони представляють собою смисловий і емоційний центр композиції, що притягає до себе увагу глядача. Зчеплені руки, що знаходяться на рівні лінії горизонту, «в судорожно-вольовому напрузі немов намагаються пов'язати, подібно замковому каменю, весь світ - небо і землю - воєдино». Босі ноги Христа поранені від довгого ходіння по гострому камінню. Але між тим лик Христа висловлює неймовірну силу волі.
У цьому творі немає дії, але зримо показано життя духу, робота думки. Христос на картині більше схожий на людину, зі своїми стражданнями, сумнівами, ніж на Бога, т це робить його образ зрозумілим і близьким глядачеві. Ця людина робить якийсь важливий крок у житті, і від його рішення залежить доля людей, які вірять в нього, на обличчі героя ми бачимо тягар цієї відповідальності.
Дивлячись на цю картину, розумієш, що спокуса є частиною життя людини. Найчастіше люди стоять перед вибором: поступити чесно, справедливо чи ж, навпаки, зробити щось незаконне, негоже. Абсолютно всі проходять через це випробування. Ця картина говорить мені про те, що як би не було великою є спокуса, потрібно знайти в собі сили для боротьби з ним.
Сьогодні ця картина знаходиться в Третьяковській галереї в Москві.
Список літератури:
1. (Електронний ресурс) Пам'ятник залізничникам в Лісках.- Режим доступу: https: // yandex.ru / search /? text \u003d пам'ятник залізничникам в Лісках (Дата звернення 23 .11.2017г.)
2. (Електронний ресурс): Дікунов Іван Павлович скульптор vrnsh.ru\u003e? Page_id \u003d 1186 (Дата звернення 23.11.2017г.)
3. Життя видатних людей. 70 знаменитих художників. Доля і творчість. А. Ладвінская Донецьк- 2006р. 448 стр.
4. 100 великих картин. Москва. Видавництво "Віче" - 2003р., 510 стор.
Додаток 1.
Аналіз твору мистецтва з опорою на алгоритм:
"Як можна аналізувати твори живопису?".
творчості?
2. Належність до жанру: історичному, побутовому, батальному, портрету,
пейзажу, натюрморту, інтер'єру.
3. Основні засоби створення художнього образу: колорит, малюнок,
світлотінь, фактура, манера письма.
4. Сенс назви. Особливості сюжету і композиції.
5. Належність до культурно-історичної епохи, художнього стилю або напряму.
6. Які ваші особисті враження від творів живопису?
Додаток 2.
1 Група «Вогненні кисті романтиків» (екскурсовод) В історії світового живопису романтизм становив яскраву блискучу епоху.
Слово «романтизм» походить від латинського romanus римсько, тобто виник на основі римської культури або тісно з нею пов'язаний.
Світ почуттів і переживань людини. Живопису романтизму була властива «спрага творити усіма можливими способами». Засобами живопису стали: яскравий насичений колорит, контрастне освітлення, емоційність манери.
Який же чоловік романтичного покоління? Часто він стає свідком жорстоких кровопролить і війн, трагічних доль цілих народів. Він робить героїчні вчинки здатні надихнути оточуючих. Романтиків залучали історичні події, в яких вони черпали сюжети для багатьох своїх творів.
1. Яскравим представником напрямки романтизму в живописі був іспанський художник Франсіско Гойя (1746-1828). Він володів усіма жанрами живопису. У нього були картини на релігійні сюжети, придворні портрети.
А. Він став свідком наполеонівських воєн, які спустошили і розорили Іспанію. У 1808 році у відповідь на жорстокі репресії наполеонівської окупації в Мадриді спалахнуло народне повстання. У ці важкі роки Франсіско Гойя був зі своїм народом. Картина «Розстріл повстанців в ніч на 3 травня 1808 року», написана в 1814 році і виставлена \u200b\u200bв мадридському музеї Прадо з'явилася обвинувальним актом художника злу і насильству. Він виразно відчув реальні масштаби народної трагедії.
На картині зображено початок визвольної боротьби іспанців з французькими окупантами, а саме, - сцена розстрілу іспанських повстанців окупаційними французькими військами. Іспанські повстанці і французькі солдати зображені Гойєю як дві протиборчі одна одній групи: кілька беззбройних мадридських ремісників і шеренга військових з піднятими рушницями. Особи і пози іспанців прописані Гойєю досить чітко (патріотизм, відвага, злість, безстрашність і ін.) В той час, як французькі солдати прописані побіжно і як би зливаються в одну безлику масу.
Б. «Портрет королівської сім'ї Карлоса VI»
Зліва направо: Дон Карлос Старший, майбутній король Іспанії Фердинанд VII, сестра Карлоса IV Марія Хосефа Кармела, невідома жінка, Марія Ізабелла, дружина Карлоса IV королева Марія-Луїза Пармська, Франциско де Паула де Бурбон, король Карлос IV, його брат Антоніо Паскуаль, Картол Жоакин (видно тільки частина голови), Людовик I з дружиною Марією Луїзою, на руках їх син - Карл II, майбутній герцог Пармський. На задньому плані в тіні Гойя зобразив самого себе. Чарівні, блискучі фарби не в силах приховати чванства, дурості, морального і розумового убозтва персонажів.
2. Глибокий інтерес до внутрішнього світу людини виявляв і сучасник великого іспанця - Теодор Жеріко. Для творчості Жеріко характерний граничний драматизм, загострення пристрастей, контрастність кольору. Служачи в королівських мушкетерів, Жеріко писав переважно батальні сцени, проте після подорожі до Італії в 1817-19 рр. він виконав велику і складну картину «Пліт« Медузи »»
(Знаходиться в Луврі, в Парижі). Новизна сюжету, глибокий драматизм композиції і життєва правда цього майстерно написаного твору не були відразу оцінені по достоїнству, але незабаром воно отримало визнання і принесло художнику славу талановитого і сміливого новатора.
Насолоджуватися славою йому довелося недовго: ледве встигнувши повернутися в Париж з Англії, де головним предметом його занять було вивчення коней, він зійшов в могилу в результаті нещасного випадку - падіння з коня.
В основі сюжету картини лежить реальна подія, що сталася 2 іюля1816 року біля берегів Сенегалу. Тоді на мілині Арген в 40 льє від африканського берега зазнав аварії фрегат «Медуза». 140 пасажирів і членів команди спробували врятуватися, висадившись на пліт. Тільки 15 з них залишилися в живих і на дванадцятий день поневірянь були підібрані бригом «Аргус». Подробиці плавання вижили потрясли сучасна громадська думка, а саме крах обернулося скандалом у французькому уряді через некомпетентність капітана судна і недостатності спроб порятунку потерпілих.
Крім полотна «Пліт« Медузи »», в Луврі знаходиться сім батальних картин і шість малюнків цього художника. Його картини повному сум'ятті, тривоги.
3. У схожій манері з Теодором Жеріко писав і Ежен Делакруа (1798-1863).
А. Для нього було характерно увагу до східних сюжетів. Одне з найбільш яскравих його творінь - картина «Різанина на Хіосі», що показує епізоди греко - турецької війни. Так історики назвали жорстоку розправу 11 квітня 1822 р турками над жителями острова Хіос за те, що остров'яни підтримали борців за незалежність Греції. З 155 000 жителів острова після бійні вціліло лише близько
2000. До 25 000 були вирізані, інші - поневолені або опинилися у вигнанні.
Велика французька революція і наступна за нею загарбницькі походи Наолеона, жорстокі політичні репресії і страти, нескінченні зміни урядів 1830 роки з особливою гостротою поставили питання про роль народу і особистості в історії.
Б. Делакруа був властивий політичний пафос. У 1830 році художник закінчив полотно «Свобода, що веде народ». Делакруа створив картину за мотивами липневої революції 1830 року, яка поклала край режиму Реставрації монархії Бурбонів. Після численних підготовчих ескізів йому треба було всього три місяці, щоб написати картину. У листі братові 12 жовтня 1830 року Делакруа пише: «Якщо я не бився за Батьківщину, то я хоча б буду для неї писати». Вперше «Свобода, що веде народ» була виставлена \u200b\u200bв Паризькому салоні в травні 1831 року, де картина була захоплено прийнята і негайно куплена державою. Через революційного сюжету полотно протягом приблизно 25 років не виставлялося на публіці. Крізь кров, страждання і смерть прекрасна жінка з трибарвним прапором в руці захоплює людей до перемоги. Оголені груди символізує самовідданість французів того часу, які з «голими грудьми» йшли на ворога. У натовпі видно збройні бідняки, мешканці трущоб, студент і маленький Гаврош з пістолетами. Художник зобразив себе у вигляді чоловіка в циліндрі зліва від головної героїні. Іноді картина помилково асоціюється з подіями великої французької революції.
«Марсельєзою французького живопису» називали картину сучасники, а влада оголосила Делакруа небезпечним художником.
Додаток 3.
2 група «Треба омужічіть мистецтво» (ЕКСПЕРТИ -ІСКУССТВОВЕДИ) Реалізм напрямок в мистецтві напряму другої половини XIX століття. Поняття реалізм латинське realis- позначає глибоке відображення дійсності. До середини XIX сторіччя реалізм стає провідним і найбільш впливовим напрямком мистецтва.
Які нові завдання ставило тепер мистецтво?
1. Видатний майстер літографії (різновид графіки друкарської форми для якої є поверхня каменю) французький художник Оноре Дом'є будучи людиною тим, хто ненавидить повно насильства і насильство завжди відгукувався на злободенні питання свого часу, даючи їм власну оцінку. Почав свою творчість як карикатурист, робив сатиричні малюнки для журналу. Його літографії миттєво розкуповувалися, вони були відомі всім.
Відома літографія «Вулиця Транснонен» була сприйнята сучасниками як протест проти терору і кровопролиття, які настали після липневої революції (1834 рік). Історичною основою цього твору послужили події квітня 1834 року пов'язані з розгоном політичний демонстрації імператорського військами. З будинку номер 12 по вулиці Транснонен з якогось вікна, прикритого жалюзі вистріли в солдатів, які розганяли демонстрацію. У відповідь на це солдати увірвалися в будинок і вбили всіх мешканців. Дом'є хотів, що б літографія народжувала не жаль, а гнів. Саме так вона була сприйнята сучасниками: «це не карикатура, що не шарж, це кривава сторінка сучасної історії, сторінка, створена живою рукою і продиктована благородним обуренням».
Дом'є - карикатурист був добре відомий публіці, а ось про те, що він займається живописом, знали не всі. У невеличкій майстерні художника скупчилися полотна. Особливе місце належить картинам про Дон Кіхота. Лицар без страху і докору, мандрівний в пошуках добра і справедливості, залучав Домьє силою духу. За смішний зовнішністю і безглуздими вчинками різниться благородство, велич і співчуття до людей.
2. Гюстав Курбе французький живописець, пейзажист, жанрист і портретист. Вважається одним з завершітелей романтизму і засновників реалізму в живопису. Один з найбільших художників Франції протягом XIX століття, ключова фігура французького реалізму.
Народився у Франції, його вступ до французької живопис було скандальним. Одні люто лаяли його роботи, називаючи їх потворними, інші навпаки - пророкували йому велике майбутнє. У Парижі 1855 році відкрив виставку «Павільйон реалізму». Пан Курбе прагнув зображувати людей, як вони є, такими потворними і грубими, якими він їх бачить. Пильна увага до навколишнього світу, природі, суспільним відносинам та індивідуальним особливостям людини визначили суть реалістичного напряму в мистецтві.
На його картині «Дробильники каменю» старий-робочий в грубій латаній одязі і потрісканих дерев'яних черевиках, опустившись на коліно, розбиває молотком приготовані для будівництва камені. Юнак в лахмітті з працею утримує в руках важку корзину. В газетах художника звинувачували в тому, що він прославляє потворне, але досить поглянути на картину «Веяльщіци», що б зрозуміти з якою повагою Курбе писав людей праці.
3. «Селянський живописець» - так прозвали Жана Мілле- французький художник. Світ французького села став невичерпним джерелом його творчості. Уже відомим художником він продовжував займатися селянською працею, віддаючи живопису вільний час.
У 1857 році представництво своїх інтересів полотно «збирачки класів». Збиральництва дозволялося проходити по полях на світанку і підбирати колоски, пропущені косарів. На цьому полотні художник зобразив трьох з них, що зігнулися над землею в низькому поклоні - тільки так їм вдається зібрати залишилися після жнив колоски ... У них Мілле показав три фази важкого руху, які жінки повинні були безупинно повторювати раз за разом - згинатися, підбирати колосок з зерном і знову розпрямлятися. Маленькі пучки в їх руках контрастують з багатим урожаєм, який видно на задньому плані. Там стоги, снопи, візок і зайнята роботою натовп женців.
Художник зумів дуже точно передати тяжкість праці селян, їх злидні і смиренність. Однак робота викликала різні оцінки публіки та критики, що змусило Мілле тимчасово звернутися до більш поетичним сторонам селянського побуту.
Додаток 4.
3 група «Салон знедолених» (ХУДОЖНИКИ імпресіоністів) Париж, 1863 рік, Палац промисловості: Журі знаменитого Салонахудожественной виставки, щорічно проходить тут, відхиляє близько сімдесяти відсотків представлених робіт ... В скандал довелося втрутитися самому імператору Наполеону III. Познайомившись з відкинутими полотнами, він милостиво дозволив представити їх в іншій частині Палацу промисловості. Так, 15 травня 1863 року було відкрито виставку відразу ж отримала назву «Салон Знедолених».
Кінець XIX початок XX століття-час змін. Науково-технічний прогрес і політичні катаклізми зумовили серйозні зміни в мистецтві, визначили нові та оригінальні шляхи розвитку. Мистецтво XIX століття сприймається як відмова від старих художніх традицій, спроба творчо переосмислити класичну спадщину минулого. З'являються сміливі новації, експерименти, необмежені якимись не було рамками і умовностями. Художник став розкутий і вільний у своїй творчості. Він орієнтувався на власний смак і уподобання.
Імпрессіонізм- французьке слово impression перекладається як враження.
На відміну від романтиків і реалістів імпресіоністи не прагнули зображати історичне минуле, сферою їх інтересів була сучасність.
Висунувши власні принципи сприйняття і відображення навколишнього світу, вони створили нову мальовничу мову. Їм був важливий не сам сюжет, а його чуттєве сприйняття, то враження, яке він міг зробити на глядача. Імпресіоністи намагалися на картині передати «миті», одномоментні відчуття. Ці відчуття зруйнували звичні форми і стандартний малюнок. Їх погляд був суто індивідуальний.
1. Найбільш яскравим представником імпресіонізму і одним з його родоначальників є - Едуард Мане вражають його полотна «Портрет Еміля Золя».
Яскраве сонячне світло, щасливе настрій людини-засіб виразності художника. У центрі загальної уваги була картина Едуарда Мане «Сніданок на траві».
Використовуючи і переосмислюючи сюжети і мотиви живопису старих майстрів, Мане прагнув наповнити їх гострим сучасним звучанням, полемічно вносячи в відомі класичні композиції зображення сучасної людини. Дорога Мане до популярності виявилася довгою і важкою, журі Салону незмінно відкидало його картини, і лише небагато наважувалися стати на захист художника. Серед них був Еміль Золя, який написав в газеті: «Місце пану Мане в Луврі вже забезпечено»
«Портрет Еміля Золя» - художник зображує свого друга в робочому кабінеті за письмовим столом, заваленого паперами та книгами. Інтер'єр свідчить про смаки господаря: японська ширма з фантастичним пейзажем, репродукція картини Мане. У вигляді письменника вгадується сильна особистість, яскрава індивідуальність.
«Сніданок на траві», який викликав бурю емоцій, жорстокої критики й одностайного вироку, що цей «сніданок» абсолютно «неїстівний». Особливо обурив публіку той факт, що на лісовій галявині зібралися пристойно одягнені, взуті, при краватках і з паличками чоловіки, поруч з якими світяться оголені жіночі тіла. Назва картини набуває деяких пікантний сенс, тим більше, що нічого їстівного справді не зображено. Лівий кут переднього плану містить у собі слабкий натяк на продукти харчування, але чітко видно, що на клапті тканини, можливо, чиємусь плаття, валяється напівпорожня кошик з кількома грибами, а на зеленому листі поруч видно кілька ягід. Ось і весь сніданок. Двоє досить молодих чоловіків вільно розкинувшись на траві, про щось жваво розмовляють. Той, що праворуч, жестикулюючи, розповідає щось цікаве, веселе, тому що співрозмовник мило посміхається. Збентежена усмішка світиться і на обличчі сидить поруч з ним жінки. Під нею зім'ята світло-синя тканина, сама жінка у вільній легкої позі сидить, абсолютно гола, не дуже юна, трохи повненька. У пари, яка сидить поруч, одного кольору волосся, вони ровесники, можливо, чоловік і жінка. Друга жінка в легкій, вільної, білій сорочці видніється трохи далі, але їй чути розмову, по ній видно, що вона прислухається і теж посміхається. Картина сповнена світлого спокою, теплої млості.
Золя назвав полотно міцної плоттю, змодельованої потоками світла просто, правдиво і прозорливо.
2. Однак, по-справжньому імпресіоністи заявили про себе в 1874 році спільного виставкою. Цілий напрям отримало на звання по картині Клода Моне «Враження. Схід сонця »(адже по-французьки« враження »-« імпріссіон ».).
Термін «імпресіонізм» виник з легкої руки критика журналу «Le Charivari» Луї Леруа, який назвав свій фейлетон про Салоні Знедолених "Виставка імпресіоністів», взявши за основу назву цієї картини Клода Моне.
Сточеним пейзажист, закоханий в передмістя Парижа, Моне був пристрасно захоплений водною стихією.
Клод Моне ввів в практику створення серії картин при різному освітленні, наприклад «Руанський собор». Два роки він їздив в Руан, спостерігав за грою світла. Моне написав понад 20 видів собору в різний час доби: в променях ранкового сонця, в сліпучий полудень, в передвечірньому сутінках. Публіка заговорила про одноманітність його картин.
3. Каміль Піссарро будь-яку зі своїх картин починав писати з неба, вважаючи, що небо надає їй глибину і повідомляє рух. Ось що Піссарро розповідав про створення своїх картин. «Я бачу тільки плями. Коли починаю картину, перше, що я роблю ... встановлюю співвідношення. Між цим небом, землею і водою, безсумнівно, існують відомі відносини, і ці відносини не можуть бути іншими як гармонійними. У цьому головна трудність живопису. Мене все менше і менше цікавить матеріальна сторона живопису (тобто лінії). Найважливіше - це звести все навіть найдрібніші деталі до гармонії цілого, тобто до узгодженості ». Полотно «Бульвар Монмартр в Парижі» переносить нас на жваву магістраль. Безліч екіпажів рухаються в різних напрямках, діловито поспішають перехожі. Все оповите прозоро - бузковим серпанком. Художник пише стрімким мазком, ледь торкаючись пензлем полотна.
Але з даних точок і штрихів з'являється картина сонячного весняного дня, жвава і кипляча.
4. чародія світла називають Огюст Ренуара. Відблиски світла оживляють зображення, призводять його в рух. Твори відрізняє жива рухома композиція. Ренуар писав: «Я люблю картини, які збуджують в мені бажання прогулятися в глибину їх, якщо це пейзаж, або торкнутися рукою, якщо це зображення жінки ...». Найчастіше Ренуар пише жінок і дітей, вважаючи їх найбільш удосконалювати творіннями природи. Його приваблюють не холодні світські красуні, а веселі і живі «справжні» француженки. Але зовсім інший образ створений на портрет «Дівчина з віялом». Юна, сміхотлива дівчина. Ніжними тонами написано особа, густі чорні волосся відливають бузковим і ліловим. На білому полотні віяла відображаються червонуваті відблиски крісла.
5. Величезні можливості у використанні кольору відкривала техніка пастелі (фр.
pastel) - живопису кольоровим олівцями і барвистим порошком. У ній особливо любив працювати Едгар Дега. Фактура пастелей бархатиста, вона здатна передати вібрацію кольору, якої здається як би світиться зсередини. У картині «Блакитні танцівниці»
техніка пастелі використана для посилення декоративності і світлового звучання композиції. Сноб яскравого світла, заливає картину, допомагає створити особливу святкову атмосферу балетного танцю, створюється враження, що світло тут цілком замінює малюнок, він організовує, призводить до єдиного значення складну симфонію фарб. В яскравих блакитних пачках, з квітами у волоссі, танцівниці здаються прекрасними казковими феями, які беруть участь в чарівної феєрії.
Картина зберігається в Державному музеї образотворчих мистецтв імені А. С. Пушкіна в Москві, в який вступила в 1948 році з Державного музею нового західного мистецтва; до 1918 року перебувала в зборах Сергія Івановича Щукіна в Москві, після написання картина зберігалася в зборах Дюран - Рюель в Парижі.
Додаток 5.
4 група «В пошуках власного шляху» (ВІДВІДУВАЧІ ВИСТАВКИ) Під кінець XIX століття голосно заявили про себе художники Поль Сезанн і Вінсент Ван Гог. Вони об'єдналися в групу, яка дала назву новому художньому напряму постімпресіонізму. Постимпрессионизм (фр. Postimpressionisme) - напрям в образотворчому мистецтві. Виникло в 80-х роках XIX століття. Художники цього напрямку не дотримувалися тільки зорових вражень, а прагнули вільно і узагальнено передавати матеріальність світу, вдавалися до декоративної стилізації. Початок постімпресіонізму доводиться на кризу імпресіонізму в кінці XIX століття.
1. Постійні пошуки нового композиційного рішення картин, способів передачі кольору і світла характерні для творчості Поля Сезанна.
Він писав натюрморти з фруктами, його найменше турбувала їх схожість з оригіналом. Незвичайним в творчості Сезанна було використання кольору, художник вважав, що холодні кольори (блакитний і зелений) мають властивість видалення в глиб картини, таким чином картина ставала об'ємною.
2. Вінсент Ван Гог - всесвітньо відомий нідерландський художнікпостімпрессіоніст. Після першої виставки картин в кінці 1880-х років, популярність Ван Гога постійно росла серед колег, мистецтвознавців, дилерів і колекціонерів. Після його смерті, меморіальні виставки були організовані в Брюсселі, Парижі, Гаазі та Антверпені.
«Соняшники» - назва двох циклів картин голландського художника Вінсента ван Гога. Перша серія виконана в Парижі в 1887 році. Вона присвячена лежачим квітам. Друга серія виконана через рік, в Арле. Вона зображає букет соняшників у вазі. Дві паризьких картини придбав один ван Гога Поль Гоген.
«Іриси» - були написані художником в той час, коли він жив у лікарні Святого Павла Мавзолійского поблизу Сен-Ремі-де-Прованс, за рік до своєї смерті в 1890 році. У картині відсутній висока напруженість, яка проявляється в його наступних роботах. Він назвав картину «громовідвід для моєї хвороби», тому що він відчував, що може стримувати свою недугу, продовжуючи писати.
Протягом останніх двох місяців життя - з травня по липень 1890 року -Вань Гог прожив в Овер-сюр-Уаз під Парижем, де він серед іншого написав кілька картин з квітами. «Рожеві троянди» - одна з кращих картин цієї серії. Вона є характерною для пізнього творчості художника. На відміну від яскравих помаранчевих і жовтих відтінків, які він використовував в Арлі (наприклад, в циклі «Соняшники»), тут Ван Гог застосовує більш м'яке і меланхолійний поєднання кольорів, що говорить про більш родючому і вологому північному кліматі. Ця картина типова для останнього періоду творчості Вінсента Ван Гога ще й тим, що в ній практично відсутня тяжіння (на перший погляд здається, що картину можна перевернути, а ефект від цього не зміниться) і просторовість (квіти як би висунуті з площини картини в простір , де знаходиться глядач). Ван Гог зумів передати почуття безпосередній близькості троянд до спостерігача. На те, де у картини низ, вказує практично невидима чаша під квітами, а на глибину натякає лише злегка змінюється форма мазків і легке зміна відтінків зеленого. Різкі темно-сині контури листя і стебел троянд, а також вібруючі і звиваються лінії є прикладом впливу на художника японської різьблення по дереву. Ці прийоми хоч і нагадують стиль Поля Гогена і Еміля Бернара, але Ван Гог використовує їх у власній неймовірною манері.
Картина «Червоні виноградники в Арлі» була написана Ван Гогом в 1888 році.
Живучи на півдні Франції, художник черпав нескінченна натхнення в міських і сільських видах, яскравих фарбах природи, сонячному світлі. Цей період є найпродуктивнішим у творчості Ван Гога.
В Арлі його відвідав Гоген, і одного разу, повертаючись додому з околиць міста, художники стали свідками незвичайної картини:
призахідне сонце освітило своїми променями виноградник, пофарбувавши листя в багровокрасний колір, а людей і землю - в відтінки бузково попелу. Незабаром після цього Ван Гог взявся до роботи над картиною, яка зображує збір винограду в околицях Монмажур. Художник зобразив не просто пейзаж, а свого роду притчу, де все має символічне значення. Розпечене величезна сонце на жовтому небі відкидає зелені та помаранчеві відблиски. Все, що знаходиться на землі, як ніби плавиться під ним.
Листя винограду перетворюються в червону заграву, а земля під ними набуває ліловий відтінок. Права частина картини відведена воді, що відбиває жовтий полум'яний небосхил.
Люди, котрі збирають виноград, є символом життя. Їх щоденна праця Ван Гог розумів як щось, що дозволяє людині стати невід'ємною частиною світобудови.
Картина стала однією з небагатьох робіт, проданих за життя Ван Гога. Зараз вона знаходиться в Пушкінському музеї в Москві.
Додаток 6.
Музика в XIX столітті.
Композиторами першої половини 19 століття були Ф. Ліст, Ф. Шопен, Ф. Шуберт, Р. Шуман. Для композиторів цієї школи було характерне тяжіння до малої формі. Їх музика лірична і мелодійна і була переважно камерної.
У цей же самий час свій розквіт переживає італійська опера. Її яскраві представники -Дж.Россіні, В Белліні, Дж. Доніцетті, Дж. Верді. У Італійської опері протиборствували два напрямки: одне тяжіло до традиційної опері-буф (тобто
комедії), інше означало тенденцію до формування національної опери.
Представником останнього був Дж. Верді (1813-1901). Він був автором опер «Реголето», «Травіата», «Отелло», «Макбет», «Аїда», «Фальстаф», «Трубадур» та інші. Арії з його опер ставали народними піснями і національними гімнами, що закликають італійців до боротьби за незалежність.
Серйозну реформу опери зробили Ж. Бізе та Р. Вагнер. Бізе, автор однієї з найбільш популярних опер - «Кармен», був прихильником гранично реалістичного сюжету і відверто виражає почуття людини мелодії. Р. Вагнер зруйнував звичну структуру опери, вносячи в неї елементи драматичного спектаклю і симфонічного концерту. У його операх було багато симфонічного концерту. У його операх було багато симфонічних вставок і речитативів.
«Реформа симфонічної музики була здійснена французьким композитором К.Дебюссі. Дебюссі фактично відмовився від звичних для симфонічної музики мелодій. Він спробував відобразити почуття, руйнуючи встояли музичні форми.
Франц Шуберт - австрійський композитор, один з основоположників романтизму в музиці, автор близько 600 пісень, дев'яти симфоній, а також великої кількості камерної та сольної фортепіанної музики. (Прослуховування фрагмента запису «Лісовий цар») Фредерік Шопен - автор численних творів для фортепіано.
Найбільший представник польського музичного мистецтва. По-новому витлумачив багато жанрів: відродив на романтичній основі прелюдію, створив фортепіанну баладу, опоетизував і драматизував танці - мазурку, полонез, вальс; перетворив скерцо в самостійний твір.
Джузеппе Верді - Великий італійський композитор, творчість якого є одним з найбільших досягнень світового оперного мистецтва і кульмінацією розвитку італійської опери XIX століття. Композитором створені понад 26 опер і один реквієм. Кращі опери композитора: «Бал-маскарад», «Ріголетто», «Трубадур», «Травіата». Вершина творчості - останні опери: «Аїда», «Отелло».
Жорж Бізе - французький композитор періоду романтизму, автор оркестрових творів, романсів, фортепіанних п'єс, а також опер, найвідомішою з яких стала «Кармен».
Клод Дебюссі - був не тільки одним з найзначніших французьких композиторів, але також однією з найбільш значних фігур в музиці на рубежі XIX і XX століть; його музика представляє собою перехідну форму від пізньої романтичної музики до модернізму в музиці XX століття.
Аналіз живописного твору на уроках образотворчого мистецтва. З досвіду роботи
Гапоненко Наталія Володимирівна, керівник РМО вчителів образотворчого мистецтва і МХК Новоильинский району, вчитель образотворчого мистецтва МБНОУ «Гімназія № 59», м. Новокузнецька
«Мистецтво висвітлює і одночасно освячує життя людини. Але розуміти твори мистецтва далеко не просто. Цьому треба вчитися - вчитися довго, все життя ... Завжди, щоб розуміти твори мистецтва, треба знати умови творчості, цілі творчості, особистість художника і епоху. Глядач, слухач, читач повинні бути озброєні знаннями, відомостями ... І особливо хочеться підкреслити значення деталей. Іноді дрібниця дозволяє нам проникнуть в головне. Як важливо знати, для чого писалася або малювалася та чи інша річ! »
Д.С. Лихачов
Мистецтво - один з важливих факторів формування особистості людини, основа для формування ставлення людини до явищ навколишнього світу, тому розвиток навичок сприйняття мистецтва стає однією з істотних завдань художнього виховання.
Однією з цілей вивчення предмета «Образотворче мистецтво» є освоєння художнього образу, тобто здатність розуміти головне в творі мистецтва, розрізняти засоби виразності, які використовує художник для характеристики даного способу. Тут виконується важливе завдання розвитку морально-естетичних якостей особистості за допомогою сприйняття творів образотворчого мистецтва.
Спробуємо розглянути методику навчання сприйняттю та аналізу картин
Методика навчання сприйняттю та аналізу картин
Методи, які використовуються при ознайомленні школярів з живописом, діляться на словесні, наочні і практичні.
Словесні методи.
1. Питання:
а) на розуміння змісту картини;
б) на виявлення настрою;
в) на виявлення виразних засобів.
В цілому питання спонукають дитину вдивлятися в картину, бачити її деталі, але не втрачати при цьому цілісного відчуття художнього твору.
2. Бесіда:
а) як вступ до заняття;
б) бесіда за картиною;
в) підсумкова бесіда.
В цілому метод бесіди спрямований на розвиток уміння учнів висловити свою думку, на те, щоб в бесіді (оповіданні педагога) дитина могла отримати мовні зразки для цього.
3. Розповідь учителя.
наочні:
Екскурсії (віртуальна екскурсія);
Розгляд репродукцій, альбомів з картинами відомих художників;
Порівняння (картин за настроєм, засобів виразності).
практичні:
Виконання письмових робіт по картині;
Підготовка доповідей, рефератів;
На уроках образотворчого мистецтва доцільно поєднувати різні методи роботи з творами мистецтва, спираючись на той чи інший метод враховуючи підготовленість учнів
Робота з картиною
А. А. Люблінська вважає, що сприйняття картини дитини треба вчити, поступово підводячи його до розуміння того, що на ній зображено. Це вимагає впізнавання окремих предметів (люди, тварини); виділяючи пози і місця положення кожної фігури в загальному плані картини; встановлення зв'язків між основними персонажами; виділення деталей: освітлення, фон, вирази облич людей.
С. Л. Рубінштейн, Г. Т. Овсепян, які вивчали питання сприйняття картини, вважають, що характер відповідей дітей по її змістом залежить від ряду факторів. Перш за все, від змісту картини, близькості і доступності її сюжету, від досвіду дітей, від їхнього вміння розглядати малюнок.
Робота з картиною передбачає кілька напрямків:
1) Вивчення основ образотворчої грамоти.
На уроках учні знайомляться з видами образотворчого мистецтва, жанрами, із засобами виразності видів мистецтва. Учням прищеплюються навички використання термінології мистецтва: тінь, півтінь, контраст, рефлекс і т.д. через словникову роботу, вводяться терміни з мистецтвознавства, вивчаються закони композиції.
2) Впізнавання про життя, творчість художника.
Підготовка учнів до активного сприйняття картини найчастіше здійснюється в процесі бесіди. Змістом бесіди зазвичай є відомості про художника, історія створення картини. Простежуючи життя художника, доцільно зупинитися на таких епізодах, які вплинули на формування його переконань, дали направлення його творчості.
Форми повідомлення відомостей про життя і творчість художника різноманітні : Розповідь вчителя, науковий фільм, іноді виступи з повідомленнями доручаються учням.
3) Використання додаткової інформації.
Сприйняттю картини сприяє звернення до літературних творів, тематика яких близька змістом картини. Використання літературних творів готує грунт для більш глибокого сприйняття і осмислення дітьми живописного полотна знайомства з сюжетом міфу.
Величезне значення для розуміння сюжету картини грає історична ситуація у досліджуваній країні, в конкретний часовий відрізок, стилістичні особливості мистецтва.
4) Розгляд картини.
Уміння розглядати картину - одна з необхідних умов розвитку сприйняття, спостережливості. У процесі розглядання картини людина бачить в першу чергу те, що співзвучно йому, його думок і почуттів. Учень, розглядаючи картину, звертає увагу на те, що його хвилює, займає, що є для нього новим, несподіваним. У цей момент визначається ставлення учнів до картини, формується його індивідуальне розуміння художнього образу.
5) Аналіз живописного полотна.
Мета аналізу картини є поглибити первісне сприйняття, допомогти учням зрозуміти образну мову мистецтва.
На перших етапах аналіз твору проводитися в процесі бесіди або розповіді вчителя поступово учні проводять аналіз самостійно. Бесіда допомагає дітям тонше, глибше побачити, відчути і осмислити твір мистецтва.
Методики аналізу мальовничого твори
Методика А.Мелік-Пашаєва. (Джерело: Журнал "Мистецтво в школі" №6 1993 г.А.Мелік-Пошана "Святковий день" або "Страшний свято" (До проблеми розуміння авторського задуму)
Питання до картини:
1.Як б Ви назвали цю картину?
2.Нравітся Вам картина чи ні?
3.Расскажіте про цю картину так, щоб людина, яка її не знає, міг скласти про неї уявлення.
4.Какие почуття, настрій викликає у Вас ця картина?
7.Не хочете додати або змінити щось у Вашій відповіді на перше питання?
8.Вернітесь до відповіді на друге питання. Чи залишилося Ваша оцінка колишньої або змінилася? Чому Ви так оцінюєте картину?
2 . Зразкові питання для аналізу твори мистецтва
Емоційний рівень:
Яке враження справляє твір?
Який настрій намагається передати автор?
Які відчуття може відчувати глядач?
Який характер твору?
Як допомагають емоційному враженню від твору його масштаб, формат, горизонтальне, вертикальне або діагональне розташування частин, використання певних кольорів в картині?
Предметний рівень:
Що (або хто) зображено на картині?
Виділіть головне з того, що ви побачили.
Спробуйте пояснити, чому саме це здається вам головним?
Якими засобами художник виділяє головне?
Як у творі скомпоновані предмети (предметна композиція)?
Як у творі проведені основні лінії (лінійна композиція)?
Сюжетний рівень:
Спробуйте переказати сюжет картини ..
Що може зробити (або сказати) герой, героїня живописного твору, якщо вона оживе?
Символічний рівень:
Чи є в творі предмети, які що-небудь символізують?
Носять чи символічний характер композиція твору і її основні елементи: горизонталь, вертикаль, діагональ, коло, овал, колір, куб, купол, арка, звід, стіна, вежа, шпиль, жест, поза, одяг, ритм, тембр і т.д .?
Яка назва твору? Як воно співвідноситься з його сюжетом і символікою?
Що, по-вашому хотів передати людям автор твору?
План аналізу мальовничого твори. Твір - відчуття.
1.Автор, назва картини
2. Художній стиль / напрямок (реалізм, імпресіонізм і т.д.)
3. Живопис станковий (картина) або монументальна (фреска, мозаїка), матеріал (для станкового живопису): масляні фарби, гуаш і т.п.
4. Жанр художнього твору (портрет, натюрморт, історичний, побутової, марина, міфологічний, пейзаж і т.д.)
5.Жівопісний сюжет (що зображено). Історія.
6.Средства виразності (колір, контраст, композиція, зоровий центр)
7.Лічное враження (почуття, емоції) - прийом «занурення» в сюжет картини.
8. Головна думка сюжету картини. Що автор «хотів сказати», навіщо написав картину.
9.Своё назва картини.
Приклади дитячих робіт по сприйняттю та аналізу живописних творів.
Твір - відчуття по картині І. Ю. Рєпін «На Батьківщину. Герой минулої війни »
І. Ю. Рєпін написав картину «На Батьківщину. Герой минулої війни »швидше за все в повоєнний час, точніше після першої світової війни.
Художній напрям, в якому написана картина, реалізм. Станковий живопис, для роботи художник використовував олійні фарби. Жанр-портрет.
На картині Рєпіна зображений молодий чоловік, побачив багато. Він повертається додому до своїх близьких і рідних, на його обличчі видно серйозне, злегка сумний вираз. Очі повні тужливої \u200b\u200bпечалі. Він бреде по полю, яке здається нескінченним, яке пам'ятає постріли зброї і кожного впав на нього людини. Він йде в усвідомленні того, що багатьох, кого він так любив, більше немає. І лише ворони, як примари, нагадують про загиблих друзів.
Рєпін в якості засобів виразності вибрав холодні кольори приглушених тонів, безліч тіней на картині передають об'ємність предметів і простору. Композиція статична, сама людина є зоровим центром композиції, його погляд, спрямований на нас, притягує погляд глядача.
Коли я дивлюся на картину, з'являється смуток і усвідомлення того, що нинішнє життя відрізняється від тієї, що була раніше. Я відчуваю відчуття морозу по тілу, відчуття безвітряної вогкою погоди.
Я вважаю, що автор хотів показати, якими стають люди, що пройшли війну. Ні, звичайно, вони не змінилися до невпізнання зовні: тіло, пропорції залишилися колишніми, тим, кому пощастило, не мають зовнішніх каліцтв. Але на обличчях вже не буде колишніх емоцій, безтурботної посмішки. Жахи війни, які цей досить молодий чоловік пережив, назавжди закарбувалися в його душі.
Я б назвала картину «Одинокий солдат» або «Дорога додому» ... Але куди він йде? Хто його чекає?,.
висновок: таким чином, сприйняття художнього твору - складний психічний процес, який передбачає здатність дізнатися, зрозуміти зображене, Висловити грамотно свою думку, використовуючи професійні художні терміни. Але це тільки пізнавальний акт. Необхідною умовою художнього сприйняття є емоційна забарвленість сприйнятого, вираз ставлення до нього. Твір - відчуття дозволяє побачити судження дітей, які свідчать про вміння не тільки відчути красиве, а й оцінити.
Словник основних понять ....419
АНАЛІЗ Твори мистецтва
ПРИБЛИЗНІ ПИТАННЯ І СХЕМИ
твір архітектури
При аналізі творів архітектури необхідно враховувати особливості архітектури як виду мистецтва. Архітектура - це вид мистецтва, явленого в художньому характері споруди. Тому аналізу повинні піддатися вигляд, масштаб, форми споруди.
1. Які об'єкти споруди заслуговують на увагу?
2. За допомогою яких прийомів і засобів виражені ідеї автора в даному творі?
3. Яке враження справляє твір?
4. Яке відчуття може відчувати реципієнт (сприймає)?
5. Як емоційного враження від твору допомагають його масштаб, формат, горизонтальне, вертикальне або діагональне розташування частин, використання певних архітектурних форм, розподіл світла в архітектурному пам'ятнику?
6. Що бачить відвідувач, стоячи перед фасадом?
7. Спробуйте пояснити, чому саме це здається вам головним?
8. Якими засобами архітектор виділяє головне? Охарактеризуйте основні художні засоби і прийоми створення архітектурного образу (симетрія, ритм, пропорції, светотеневая і колірна моделювання, масштаб).
9. Як в архітектурній споруді складаються обсяги і простору (архітектурна композиція)?
10. Охарактеризуйте приналежність даного об'єкта до певного виду архітектури: об'ємні споруди (громадські: житлова, промислова); ландшафтна (садово-паркова або малих форм), містобудівна.
11. Спробуйте уявити, які події можуть частіше відбуватися в даному архітектурній споруді.
12. Носять чи символічний характер композиція твору і її основні елементи: купол, арка, звід, стіна, вежа, штиль?
13. Яка назва твору? А як би ви його назвали?
14. Визначте приналежність даного твору до культурно-історичної епохи, художнього стилю, напрямку.
16. Як співвідносяться форма і зміст даного твору?
17. Який зв'язок між зовнішнім і внутрішнім виглядом даного архітектурної споруди? Гармонійно чи було це записане в навколишнє середовище?
18. Яке втілення, на вашу думку, знайшла в цьому творі формула Вітрувія: користь, міцність, краса?
19. Використано чи інші види мистецтва в оформленні вигляду даного архітектурного об'єкта? Які? Чи виправданий, по-вашому, вибір учасника?
твір живопису
Для того щоб абстрагуватися від сюжетно-побутового сприйняття, згадайте, що картина - НЕ вікно в світ, а площину, на якій живописними засобами може бути створена ілюзія простору. Тому спочатку важливо проаналізувати базові параметри твору.
1. Розмір картини (монументальний, станковий, мініатюрний)?
2. Формат картини: витягнутий по горизонталі або вертикалі прямокутник (можливо, з округленим завершенням), квадрат, коло (тондо), овал?
3. В якій техніці (темпера, олія, акварель і т.д.) і на якій основі (дерево, полотно і т.д.) виконано картина?
4. З якої відстані вона найкраще сприймається?
Аналіз зображення.
5. Чи є в картині сюжет? Що зображено? В якому середовищі розташовуються зображені персонажі, предмети?
6. На підставі аналізу зображення зробіть висновок про жанр (портрет, пейзаж, натюрморт, оголена натура, побутової, міфологічний, релігійний, історичний, анималистический).
7. Як Вам здається, яке завдання вирішує художник - образотворчу? виразну? Який ступінь умовності або натуралізму зображення? Тяжіє чи умовність до ідеалізації або до експресивного спотворення?
аналіз композиції
8. З яких складових складається композиція? Яке співвідношення об'єкта зображення і фону / простору на полотні картини?
9. Наскільки близько до картинної площини розміщені об'єкти зображення?
10. Який кут зору вибрав художник - зверху, знизу, врівень із зображеними об'єктами?
11. Як визначено позицію глядача - втягується він у взаємодію із зображеним на картині, або йому відводиться роль відстороненого спостерігача?
12. Чи можна назвати композицію врівноваженою, статичної, або динамічною? Якщо присутній рух, як воно спрямоване?
13. Як побудовано картинний простір (поверхнево, невизначено, вигороджений просторовий шар, створено глибокий простір)? За рахунок чого досягається ілюзія просторової глибини (відмінність в розмірі зображених фігур, показ обсягу предметів або архітектури, за допомогою градацій кольору)?
Аналіз малюнка.
14. Наскільки виражено в картині лінійне початок?
15. Підкреслено або згладжені контури, відмежовує окремі предмети? Якими засобами досягається цей ефект?
16. До якої міри виражений обсяг об'єктів? Якими прийомами створюється ілюзія обсягу?
17. Яку роль в картині грає світло? Який він (рівний, нейтральний; контрастний, що ліпить обсяг; містичний)? Прочитується чи джерело / напрямок світла?
18. Читаються чи силуети зображених фігур / об'єктів? Наскільки вони виразні і цінні самі по собі?
19. Наскільки деталізовано (або навпаки узагальнено) зображення?
20. Передається чи різноманітність фактур зображених поверхонь (шкіра, тканини, метал і т.д.)?
Аналіз колориту.
21. Яку роль відіграє в картині колорит (підпорядкований малюнку і обсягом або навпаки підпорядковує собі малюнок і сам вибудовує композицію)?
22. Чи є колір просто забарвленням обсягу або чимось більшим? Чи є він оптично достовірним або експресивним?
23. Помітні чи кордону колірних плям? Чи співпадають вони з межами обсягів і предметів?
24. Художник оперує великими масами кольору або маленькими плямами-мазками?
25. Як написано теплі і холодні кольори, чи користується художник поєднанням додаткових квітів? Для чого він це робить? Як передані найбільш освітлені і затінені місця?
26. Чи є відблиски, рефлекси? Як прописані тіні (глухо або прозоро, кольорові чи вони)? Чи є домінуючий колір / поєднання кольорів?
інші параметри
1. Які об'єкти емоційного ставлення автора до об'єкта (факту, події, феномену) заслуговують на увагу?
2. Визначте приналежність даного твору до жанру живопису (історичний, портрет, натюрморт, батальний, інше).
3. За допомогою яких прийомів і засобів виражені ідеї автора в даному творі?
4. Яке враження справляє твір?
7. Як допомагає емоційному враженню використання певних кольорів?
8. Що зображено на картині?
9. Виділіть головне з того, що ви побачили.
10. Спробуйте пояснити, чому саме це здається вам головним?
11. Якими засобами художник виділяє головне?
12. Як у творі зіставляються кольори (колірна композиція)?
13. Спробуйте переказати сюжет картини.
14. Чи є в творі сюжети, які що-небудь символізують?
15. Яка назва твору? Як воно співвідноситься з його сюжетом і символікою?
16. Носять чи символічний характер композиція твору і її основні елементи: горизонталь, вертикаль, діагональ, коло, овал, колір, куб?
твір скульптури
При аналізі творів скульптури необхідно враховувати власні параметри скульптури як виду мистецтва. Скульптура - це вид мистецтва, в якому реальний тривимірний обсяг взаємодіє з навколишнім його тривимірним простором. Тому аналізу повинні піддатися обсяг, простір і то, як вони взаємодіють.
1. Яке враження справляє твір?
3. Який характер твору?
4. Які об'єкти емоційного ставлення автора до об'єкта (факту, події, феномену) заслуговують на увагу?
5. За допомогою яких прийомів і засобів виражені ідеї автора в даному творі?
6. Який розмір скульптури? Розмір скульптури (монументальна, станкова, мініатюрна) впливає на її взаємодія з простором.
7. До якого жанру належить ця скульптура? Для чого вона призначалася?
8. Охарактеризуйте матеріал оригіналу, використаний автором, його особливості. Які особливості скульптури продиктовані її матеріалом (чому для цього твору був обраний саме цей матеріал)? Поєднуються його властивості з ідеєю твору? Чи можна уявити це ж твір з інших матеріалів? Яким би воно стало?
9. Яка фактура скульптурної поверхні? Однорідна або різна в різних частинах? Гладка або «ескізна» видно сліди дотику інструментів, натуроподобная, умовна. Як ця фактура пов'язана з властивостями матеріалу? Як фактура впливає на сприйняття силуету і об'єму скульптурної форми?
10. Як допомагають емоційному враженню від твору його масштаб, формат, горизонтальне, вертикальне або діагональне розташування частин?
11. Яка роль кольору в скульптурі? Як взаємодіє обсяг і колір, як вони впливають один на одного?
12. Кого (що) ви бачите в скульптурі?
13. Виділіть найголовніше, особливо цінне з того, що ви побачили.
14. Спробуйте пояснити, чому саме це здається вам найголовнішим, особливо цінним?
15. Якими засобами скульптор виділяє головне?
16. Як у творі скомпоновані предмети (предметна композиція)?
17. У якому просторі розташовувалося твір (в храмі, на площі, в будинку і т.д.)? На яку точку сприйняття воно було розраховане (видали, знизу, поблизу)? Чи є воно частиною архітектурного або скульптурного ансамблю або це самостійний твір?
18. Розрахована чи скульптура на фіксовані точки зору, або повністю розкривається при круговому обході? Скільки у неї закінчених виразних силуетів? Які вони (замкнутий, компактний, геометрично правильний або мальовничий, розімкнутий)? Як пов'язані між собою?
19. Що може зробити (або сказати) дана скульптура, якщо вона «оживе»?
20. Яка назва твору? У чому його (назви) сенс, як ви думаєте? Як воно співвідноситься з сюжетом та символікою?
21. Яка трактування мотиву (натуралістична, умовна, продиктована каноном, продиктована місцем, займаним скульптурою в її архітектурному оточенні або ще якась)?
22. Які світоглядні позиції, по-вашому, хотів передати людям автор твору?
23. Чи відчуваєте Ви в творі вплив якихось інших видів мистецтва: архітектури, живопису?
24. Як Ви вважаєте, чому скульптуру краще розглядати безпосередньо, а не на фотографіях або репродукціях? Аргументуйте свою відповідь.
Предмети декоративно-прикладного мистецтва
Аналізуючи предмети декоративно-прикладного мистецтва, слід пам'ятати, що вони в першу чергу грали в житті людини прикладну роль і далеко не завжди несуть в собі естетичну функцію. При цьому форма предмета, його функціональні особливості впливають на характер зображення.
1. Для чого подібний предмет призначений?
2. Якого його розміри?
3. Як розташовується декорація предмета? Де розміщуються зони фігуративних і орнаментальних прикрас? Як пов'язано розміщення зображень з формою предмета?
4. Які типи орнаментів використовуються? На яких частинах предмета вони розташовуються?
5. Де розташовуються фігуративні зображення? Вони займають більше місця, ніж орнаментальні або є просто одним з орнаментальних регістрів?
6. Як будується регістр з фігуративними зображеннями? Чи можна сказати, що тут використовуються прийоми вільної композиції або використовується принцип рядоположенности (фігури в однакових позах, мінімум руху, повторюють один одного)?
7. Як зображуються фігури? Вони рухливі, застиглі, стилізовані?
8. Як передаються деталі фігур? Вони виглядають більш природно або орнаментально? Які прийоми використовуються для передачі фігур?
9. Загляньте, якщо можливо, всередину предмета. Чи є там зображення і орнаменти? Опишіть їх по вище наведеній схемі.
10. Які основні і додаткові кольори використовуються в побудові орнаментів і фігур? Який тон самої глини? Як це впливає на характер зображення - робить його більш орнаментальними або, навпаки, більш природним?
11. Постарайтеся зробити висновок про окремі закономірності даного виду декоративно-прикладного мистецтва.
Алгоритми аналізу творів мистецтва
Головною умовою роботи з даного алгоритму є той факт, що назва картини не повинно бути відомо тим, хто виконує роботу.
Як би Ви назвали цю картину?
Подобається Вам картина чи ні? (Відповідь має бути неоднозначним).
Розкажіть про цю картину так, щоб людина, яка її не знає, міг скласти про неї уявлення.
Які почуття викликає у Вас ця картина?
Чи не хочете додати або змінити щось у Вашій відповіді на перше питання?
Поверніться до відповіді на друге питання. Чи залишилася Ваша оцінка колишньої або змінилася? Чому Ви так тепер оцінюєте цю картину?
Алгоритм аналізу творів живопису
Сенс назви картини.
Жанрова приналежність.
Особливості сюжету картини. Причини написання картини. Пошук відповіді на питання: доніс чи автор свій задум до глядача?
Особливості композиції картини.
Основні засоби художнього образу: колорит, малюнок, фактура, світлотінь, манера письма.
Яке враження справила цей твір мистецтва на ваші почуття і настрій?
Де знаходиться цей твір мистецтва?
Алгоритм аналізу творів архітектури
Що відомо про історію створення архітектурної споруди і його автора?
Вказати приналежність даного твору до культурно-історичної епохи, художнього стилю, напрямку.
Яке втілення знайшла в цьому творі формула Вітрувія: міцність, користь, краса?
Вказати на художні засоби і прийоми створення архітектурного образу (симетрія, ритм, пропорції, светотеневая і колірна моделювання, масштаб), на тектонічні системи (стійко-балочна, стрільчато-арочна, арково-купольна).
Вказати на приналежність до виду архітектури: об'ємні споруди (громадські: житлова, промислова); ландшафтна (садово-паркова або малих форм); містобудівна.
Вказати на зв'язок між зовнішнім і внутрішнім виглядом архітектурної споруди, на зв'язок між будівлею і рельєфом, характером пейзажу.
Як використані інші види мистецтва в оформленні його архітектурного вигляду?
Яке враження справила твір на Вас?
Які асоціації викликає художній образ і чому?
Де розташоване архітектурна споруда?
Алгоритм аналізу творів скульптури
Історія створення твору.
Належність до художньої епохи.
Сенс назви твору.
Належність до видів скульптури (монументальна, меморіальна, станковий).
Використання матеріалу і техніка його обробки.
Розміри скульптури (якщо це важливо знати).
Форма і розмір п'єдесталу.
Де знаходиться ця скульптура?
Яке враження справила твір на Вас?
Які асоціації викликає художній образ і чому?
Аналіз історії фільму.
Перша частина аналізу. Історія появи. Режисерська задумка. Робота зі сценаристом і оператором.
1. Аналіз характерів героїв.
Насиченість фільму персонажами. Характеристика головних персонажів (деталі персоніфікації). Характеристика другорядних персонажів (їх функції по відношенню до головних персонажів, до дії фільму). Робота акторів над роллю. Аналіз актерка гри.
2. Аналіз фільму як відображення суб'єктивності режисера
Художнє кіно як самостійний художній твір. Авторська, тобто режисерська позиція (найчастіше вона проявляється в його інтерв'ю, можна її виявити в інтерв'ю, спогадах, статтях учасників створення кіно). Вплив реальних подій в його особистому і соціальному житті на фільм. Відображення внутрішнього світу режисера.
Надіслати свою хорошу роботу в базу знань просто. Використовуйте форму, розташовану нижче
Студенти, аспіранти, молоді вчені, які використовують базу знань в своє навчання і роботи, будуть вам дуже вдячні.
Розміщено на http://www.allbest.ru/
Федеральне державне бюджетне освітня установа вищої професійної освіти
Омський державний технічний університет
Кафедра ДТМ
реферат
На тему:
Аналіз художнього твору мистецтва на прикладі картини Мікеланджело Буонарроті «Страшний суд»
Виконав: студент гр. ЗСР-151 А.А.Карева
Перевірив: професор Гуменюк О.М.
Вступ
1. Сюжет «Страшний суд»
2. Загальні відомості про відмінності картини від ікони
3. Композиція вівтарної фрески Сікстинської капели Мікеланджело Буонарроті (1475-1564) «Страшний суд» (1535-1541)
висновок
Список використаної літератури
Вступ
Страшний суд - фреска Мікеланджело на вівтарної стіни Сікстинської капели у Ватикані. Художник працював над фрескою чотири роки - з 1537 по 1541. Мікеланджело повернувся в Сикстинську капелу три десятиліття після того, як завершив розпис її стелі. Масштабна фреска займає всю стіну позаду вівтаря Сікстинської капели. Темою її стало друге пришестя Христа і апокаліпсис.
«Страшний суд» вважається твором, що завершив в мистецтві епоху Відродження, якої сам Мікеланджело віддав данину в розпису стелі і склепінь Сікстинської капели, і що відкрив новий період розчарування в філософії антропоцентрического гуманізму.
1. Сюжет «Страшного суду»
Друге пришестя Христа, коли відповідно до християнської доктрини відбудеться загальне воскресіння мертвих, які разом з живими будуть остаточно судимі, і їм буде призначено, бути чи взятими на небо або скинути в пекло. Священне писання багато разів говорить про це, але головним авторитетом є мова Христа учням, розказана Матфеєм: «Коли ж прийде Син Людський у славі своїй і всі святі ангели з ним, тоді сяде на престолі слави своєї, і зберуться перед ним усі народи, і відокремити одних то інших, як пастир відділяє овець від козлів; І поставить Він вівці праворуч свою сторону, а козлів - на ліву ». Їм належить бути судимими, згідно їх справам милосердя, які вони виконували у своєму земному житті. Грішники повинні будуть йти в «муки вічні».
Друге пришестя Христа (або царство Христа на землі) з упевненістю очікувалося в 1000 році, і коли ці очікування не збулися, Церква стала надавати все більшого значення доктрині «Чотирьох останніх справ» - смерть, суд, небо, пекло.
З цього часу зображення Страшного суду починають з'являтися (головним чином в XII-XIII ст.) На скульптурних західних фронтонах французьких соборів.
Це великий сюжет, що складається з декількох частин. Христос - суддя - центральна фігура. По обидва боки від нього апостоли, що були з ним на Таємній Вечері: «І ви на престолах засіли судити 12 колін Ізраїлевих».
Нижче - мертві, що піднімаються з могил або з землі або моря: «І багато хто з тих, що сплять у земному поросі, збудяться, одні для життя вічного, інші на вічну наругу і сором». «І дало море мертвих, які були в них; і суджено їх згідно з їхніми вчинками ». Архангел Михайло тримає ваги, на яких він зважує душі. Праведники - по праву руку Христа, супроводжувані в рай ангелами, по ліву руку від нього внизу грішники препровождаются в пекло, де вони зображаються в страшних муках. (Хол Д. Словник сюжетів і символів в мистецтві. М, 1996)
2. загальнівідомості про відмінності картини від ікони
Картина, перш за все, діє на емоційну сферу. Ікона - на розум і інтуїцію. Картина відображає настрій, ікона - стан особистості. Картина має межі, рамки сюжету; ікона - включає в безмежне. Деякі вважають, що стародавні іконописці не знали законів прямої перспективи і симетрії людського тіла, тобто були незнайомі з анатомічним атласом. Однак художники тієї епохи дотримувалися точні пропорції людського тіла, коли виготовляли статуї або взагалі статуї (тривимірне зображення не вживалося в Східній Церкві, а мало місце лише в світському мистецтві). Відсутність прямої перспективи свідчить про інших просторових вимірах, про можливості людини панувати над простором. Простір перестає бути перешкодою. Далекий предмет не стає ілюзорно зменшеним. Величини в іконах носять не просторовий, а аксіологічний характер, висловлюючи ступінь гідності. Наприклад, демони зображуються меншого розміру, ніж ангели; Христос серед учнів підноситься над ними і т.д.
Картину можна розглядати аналітично. Можна міркувати про окремі фрагментах картини, вказувати, що подобається і що не подобається в ній. А ікону не можна розчленувати на клітини, на фрагменти, на деталі, вона сприймається синтетично одним внутрішнім релігійним почуттям. Ікона прекрасна тоді, коли вона кличе людину до молитви, коли душа відчуває динамічний поле енергій і сил, що випромінюються через ікону з Царства вічного світла. В іконі фігури нерухомі, вони як би застигли. Але це не холод смерті; тут підкреслюється внутрішня життя, внутрішня динаміка. Святі перебувають в стрімкому духовному польоті, у вічному русі до Божества, де немає місця химерним позам, метушливості і зовнішньої експресії.
Людина, охоплений глибоким почуттям або занурений у роздуми, також перемикається на внутрішнє, і ця відключення від зовнішнього свідчить про інтенсивність і напруженість його духу. Навпаки, зовнішня динаміка - друк емоцій як тимчасових станів - говорить про те, що той, кого хотіли зобразити на іконі, знаходиться не в вічності, а в часі, у владі чуттєвого і минущого.
Однією з вершин західного мистецтва вважається картина Страшного Суду в Сикстинській капелі, створена Мікеланджело. Фігури виконані з дивовижним знанням пропорцій людського тіла і законів гармонії. За ним можна вивчати анатомію. Кожна особа має свою неповторну індивідуальність і психологічну характеристику. У той же час релігійне значення цієї картини дорівнює нулю. Більш того, це рецидив язичництва, що виник в самому серці католицького світу. В тематиці картини "Страшний Суд" втілені язичницькі і іудейські традиції. Харон перевозить душі померлих через води Стіксу. Образ узятий з античної міфології. Воскресіння мертвих відбувається в долині Йосафата, як оповідає талмудичних переказ.
Картина виконана в підкреслено натуралістичному стилі. Мікеланджело зобразив тіла оголеними. Коли тато Павло III, розглядаючи живопис Сікстинської капели, запитав у церемоніймейстера папського двору Бьяджо та Чезена, як йому подобається розпис, той відповів: "Ваша святість, ці фігури були б доречні десь в таверні, а не у вашій капелі". ( «Про мову православної ікони». Архімандрит Рафаїл (Карелін), 1997 г.)
Ми торкнулися західноєвропейського живопису, щоб підкреслити її принципова відмінність від православного мистецтва. Це яскравий приклад того, що форма не збігається зі змістом, який би блискучою вона не була сама по собі. У так званої релігійної живопису епохи Відродження укладена методологічна помилка. Художники намагаються через мімітіческое мистецтво, тобто насичену емоціями і пристрастями картину, перенести небесне на земній план, але досягають зворотного - не відродження матеріальність переносять в сферу неба; земним і чуттєвим витісняють духовне і вічне (вірніше, там немає місця для неба, там все зайняла і поглинула земля), свого серця; трохи схилена постать покірність волі Божій і т.д.
Католицька картина - однопланова, православна ікона багатопланова. В іконі плани перетинаються один з одним, вони співіснують або взаимопроникают, не зливаючись і не розчиняючись один в одному. У картині зафіксовано час, як момент зупинений волею художника, ніби фотографічної спалахом. В іконі час умовно, тому на поле ікони можуть бути представлені події в хронологічному розбіжності. Ікона схожа на внутрішній план і креслення подій. Для ікон характерна одночасність зображення: всі події відбуваються відразу. Мікеланджело сикстинский фреска ікона
Картина - це наслідування дійсності з елементами фантазії, також бере матеріал для своїх настроїв із земних реалій. Ікона - втілення духовного споглядання, яке дається в містичному досвіді, в стані богообщения, але споглядання переданого і об'єктивувати через знакову мову ліній і кольорів. Ікона - це богословська книга, написана пензлем і фарбами. В іконі зображення двох сфер - небесної і земної - дається не за принципом паралелізму, а за принципом симетрії. У картині на релігійні теми, яку неправильно називають іконою, між небесним і земним або взагалі немає відмінностей, розмежування, або вони з'єднані "паралельними лініями" історії, як єдиним буттям в часі і просторі.
У картині принцип прямої, лінійної перспективи, що дає ілюзію обсягу, тривимірності в зображенні як речових, так і духовних сутностей. Духовне не проявляється в картині, а підміняється в ній матеріальними, об'ємними формами і тілами, і зникає в цих чужих йому формах. Духовне в картині перестає бути надчуттєвим, а стає "натуральним", тут відбувається профанація святині. На це справедливо вказували іконоборці, заперечуючи портретні картини на релігійну тематику, але несправедливо узагальнюючи з поганим методом всі можливості образотворчого мистецтва - в даному випадку іконопис - яка відкриває духовний світ, що не ототожнюючи його з нескінченністю як нескінченної протяжністю, з реаліями матеріального світу, що знаходиться під владою смерті і тління.
Іконоборці ототожнювали ікону з мімітіческім портретом, з фантазією або алегорією, але ікона, як священний символ, була ними проігнорована або незрозумілий. В іконі не тільки протиставлення двох сфер часу і вічності, але в її ритмах - воцерковлення часу, тяжіння його до вічності. ( «Про мову православної ікони». Архімандрит Рафаїл (Карелін), 1997 г.)
3. Композиція вівтарної фрески Сікстинської капелиМікеланджело Буонарроті(1475-1564) «Страшний суд» (1535-1541)
Незвичайне рішення автора в побудові композиції зберігає найважливіші традиційні елементи іконографії. Простір поділений на два основних плану: небесний - з Христом-суддею, Богоматір'ю і святими і земної - зі сценами воскресіння мертвих і розподілом їх на праведників і грішників.
Сурмлять ангели сповіщають про початок Страшного суду. Відкрита книга, в якій записано все справи людські. Сам Христос є не милосердним викупителем, але караючим Владикою. Жест Судді пускає в хід повільне, але невблаганне круговий рух, яке залучає до свого потік лави праведників і грішників. Сидяча поруч з Христом Богоматір відвернулася від того, що відбувається.
Вона відмовляється від своєї традиційної ролі заступниці і з трепетом слухає остаточного вироку. Навколо святі: апостоли, пророки. В руках у мучеників знаряддя для тортур, символи страждань, перенесених ними за віру.
Мертві, з надією і страхом відкриваючи очі, встають з могил і йдуть на суд Божий. Деякі піднімаються легко і вільно, інші повільніше, залежно від тяжкості власних гріхів. Сильні духом допомагають піднятися потребують допомоги.
Сповнені жаху особи тих, кому належить спуститися вниз, щоб очиститися. Передчуваючи страшні муки, грішники не хочуть потрапляти в пекло. Але сили, спрямовані на дотримання справедливості, виштовхують їх туди, де належить перебувати людям, які заподіюють страждання. А чорти тягнуть їх до Міноса, який хвостом, обвитим навколо тіла, вказує коло пекла, на який слід спуститися грішникові. (Судді померлих душ художник додав риси обличчя церемоніймейстера Папи Бьяджо та Чезена, який часто нарікав на наготу зображених фігур. Його ослячі вуха - символ невігластва.) А поруч видно барка, керована перевізником Хароном. Одним рухом забирає він грішні душі. Відчай і сказ їх передані з приголомшливою силою. Ліворуч від барки зяє пекельна безодня - там вхід в чистилище, де демони чекають нових грішників. Здається, чути крики жаху і скрегіт зубів нещасних.
Вгорі, за межами потужного кругообігу, над душами, яких очікує порятунок, парять безкрилі ангели з символами страждань самого Спасителя. Нагорі справа прекрасні і юні істоти несуть атрибути порятунку грішників. (Смирнова І.А. Монументальний живопис італійського Відродження. М .: Образотворче мистецтво, 1987)
висновок
В даному рефераті було розглянуто фреска Мікеланджело «Страшний суд» в порівнянні з іконою «Страшний суд» (1580-і рр.). І ікона і фреска написані на один сюжет - друге пришестя Христа і страшний суд над гріхами людства. Вони мають схожу композицію: в центрі зображується Христос, а по ліву і праву його руки розташовуються апостоли. Над ними Бог. Під Христом - грішники, яким обіцяє пекло. Обидва зображення виконані в зворотній перспективі. Але в той же час в іконі використовуються менш яскраві кольори, ніж у фресці Мікеланджело. В іконі багато символічних образів (долоню з немовлям - «праведні душі в руці Божій», і тут же, ваги - тобто «міра справ людських»).
В сучасний час створення цих творів були популярні серед людей есхатологічні погляди, тому дані зображення виправдовували своє призначення не з метою налякати людство, а донести до нього ідею жити праведним життям, подібної земної безгрішного життя Ісуса Христа.
Список використаної літератури
1. Холл Д. Словник сюжетів і символів в мистецтві. М, 1996.
2. «Про мову православної ікони». Архімандрит Рафаїл (Карелін) 1997 р
3. Смирнова І.А. Монументальний живопис італійського Відродження. М .: Образотворче мистецтво, 1987
4. Буслаєв Ф.І. Зображення Страшного суду по російським оригіналах // Буслаєв Ф.І. Твори. Т. 2. СПб., 1910.
5. Алексєєв С. Зримая істина. Енциклопедія православної ікони. 2003
Розміщено на Allbest.ru
подібні документи
Сюжет "Страшний суд". Загальні відомості про відмінності картини від ікони. Композиція вівтарної фрески Сікстинської капели Мікеланджело Буонарроті "Страшний суд". Особливості ікони "Страшний суд". Про прямий і зворотній перспективі. Світлотінь і колірна символіка.
реферат, доданий 18.03.2012
Аналіз мистецтва і гуманізму у Флоренції часів Лоренцо Прекрасного. Біографія і творчість Мікеланджело Буонарроті. Психологічна структура особистості та ідей майстра, характерні риси його скульптур і картин. Розпис Сікстинської капели у Ватикані.
дипломна робота, доданий 10.12.2017
Вивчення особливостей творчості Мікеланджело Буонарроті - італійського скульптора, живописця, архітектора, поета. Відмінні риси творчості епохи Високого Відродження. Давид. Відома фреска з Сікстинської розпису Мікеланджело - Створення Адама.
презентація, доданий 24.10.2014
Коротка біографія Мікеланджело Буонаротті - великого скульптора і художника. Його творчий доробок: скульптури вахка і Пієта, мармурове зображення Давида, фрески "Битва під Кашину" і "Битва при Ангіарі". Історія розпису Сікстинської Капели.
презентація, доданий 21.12.2010
Біографія, зовнішність і характер Мікеланджело Буонарроті (1475-1564) - великого генія-зодчого епохи Відродження в Італії, а також опис ранніх і пізніх, завершених і незавершених робіт. Аналіз взаємин Мікеланджело з Вітторією Колонній.
реферат, доданий 14.11.2010
Культура корінних народів Італії і її держав-попередників. Періоди історії італійської культури. Творчість Леонардо да Вінчі. Зображення молодий флорентійки Мони Лізи. Розпис стелі Сікстинської капели у Ватикані, виконана Мікеланджело.
презентація, доданий 14.01.2014
Основні події в біографії Мікеланджело Буонарроті - італійського скульптора, живописця, архітектора і поета. Творче вираження ідеалів Високого Відродження і трагічного відчуття кризи гуманістичного світорозуміння в період Пізнього Відродження.
реферат, доданий 12.11.2011
Дослідження історії побудови Сікстинської капели - колишньої домової церкви у Ватикані. Описи залу з овальним склепінням, сцен з Книги Буття, розташованих від вівтаря до входу. Конклави, що пройшли в Капелі. Цикл фресок Мікеланджело, який прикрасив стеля.
презентація, доданий 23.04.2013
Духовно-моральна атмосфера Італії XIV-XVI. Аналіз становлення творчості Буонарроті і відображення його в сучасному суспільстві. Психологічна структура ідей Мікеланджело. Аналіз ставлення генія з владою. Шедеври різця і пензля. Поетична спадщина.
дипломна робота, доданий 29.04.2017
Аналіз художньої творчості Леонардо да Вінчі в працях вітчизняних вчених. Біографічні відомості про титана Відродження. Композиція і сюжет фрески "Таємна вечеря". Внесок великого художника і вченого в розвиток світової культури, науки і техніки.
- Вконтакте 0
- Google+ 0
- ОК 0
- Facebook 0
